1. Династия. Карл Брюллов родился в семье потомственных художников. Брюлловы – художественная династия французских протестантов и русский дворянский род. В 1773 году предок Брюлловых Георг Брюлло прибыл в Петербург, чтобы работать на императорском фарфоровом заводе. Его сын Павел стал известным скульптором и отцом Карла Брюллова. Всего у Павла было шестеро детей.

2. Гениальный юноша. Карл Брюллов проявил свои художественные способности с раннего возраста и уже в 10 лет поступил в Академию художеств, где стал одним из самых талантливых студентов. Его первым учителем был собственный отец, по воле которого он оттачивал навыки для будущей профессии: рисовал людей и животных в разных ракурсах.

3. Мировая слава. В 1830-х годах Брюллов стал известен не только в России, но и за ее пределами. Его знаменитая картина «Последний день Помпеи» (1833) произвела фурор на выставке в Академии художеств в Риме и принесла ему международную славу. Эта работа считается шедевром романтизма.

4. Мастер портрета. Брюллов был не только живописцем исторических сцен, но и выдающимся портретистом. Среди его известных работ — портрет баснописца И.А. Крылова, портрет князя А.Н. Голицына, картина «Всадница».

5. Не только живопись. Помимо живописи, Брюллов также занимался архитектурой и декоративным искусством. Он участвовал в оформлении многих зданий и строений в Санкт-Петербурге: Пулковская абсерватория, Михайловский театр, Александринская больница, мост в Петергофе и др.

И конечно, одна из величайших его работ: роспись центрального купола Исаакиевского собора "Богоматерь во славе", где изображена богородица в окружении святых. Она составляет 816 квадратных метров ( это почти в полтора раза, чем роспись Сиктинской капеллы Микеланджело!) и заняла у Карла Брюллова больше четырех лет. Здоровье художника сильно пострадало во время работы, поэтому завершал работу с согласия самого Брюллова уже Петр Басин.

12 ноября исполнилось 184 года со дня рождения скульптора и художника Огюста Родена. Мы собрали пять интересных фактов о жизни этого выдающегося мастера:

1. Роден трижды пытался поступить в Школу изящных искусств в Париже, но терпел неудачу. Тем не менее, он обучался на курсах у известных в то время художников, декораторов и скульпторов. Долгое время его работы не воспринимались серьезно, и он испытывал трудности в поиске заказов.

О. Роден, «Мыслитель»

2. Первый крупный успех пришел к нему только в 40 лет после создания скульптуры «Мыслитель», которая стала символом философской глубины и человеческой борьбы. Эта работа, первоначально задуманная как часть более масштабного проекта — «Врата ада», вдохновленного «Божественной комедией» Данте, привлекла внимание к его таланту и оригинальному подходу к форме и материалу.

О. Роден, «Человек со сломанным носом»

3. Первой собственной мастерской Родена стала бывшая конюшня, где он создал портрет местного жителя со сломанным носом. Во время заморозков хранившийся в скудных условиях конюшни бюст треснул, от него осталась только маска, но это не помешало Родену отправить «Человека со сломанным носом» в парижский Салон. Скульптура, выражавшая восхищение некрасивым, покрытым морщинами и шрамами лицом и бросившая вызов академическим канонам красоты, была отклонена.

О. Роден, бюст Виктора Гюго

4. В 1883 году Роден получил разрешение Виктора Гюго создать его бюст. При этом восьмидесятилетний живой классик не питал энтузиазма по поводу этого проекта и отказался позировать; но Родену было разрешено посещать дом писателя, присутствовать при его повседневных занятиях, делать зарисовки и эскизы. Кроме того, Роден много работал с фотографиями. Бюст писателя был закончен в 1883 году и в следующем году выставлен в Салоне.

О. Роден "Вечная весна"

5. Хотя Роден стал известным при жизни, его работы получили широкое признание только после его смерти. В 1919 году, через два года после его смерти, была открыта первая крупная выставка его работ в Париже, которая привлекла внимание широкой публики и укрепила его статус как одного из величайших скульпторов в истории искусства.

Краски на водной основе стали использовать еще до нашей эры — ими выполнены цветные рисунки на древнеегипетских папирусах. Однако, широкое применение акварели в европейских странах началось только в эпоху Возрождения и причина проста: в XIV-XV веках бумага стала более доступной, открывалось все больше фабрик по ее производству.

А.Дюрер, автопортрет, масло

Родоначальником современной акварельной техники в Европе считается Альбрехт Дюрер. Он часто работал послойно, а в качестве вспомогательного материала использовал гуашь.

А.Дюрер, акварель. Листайте галерею

Художник создал множество пейзажей, работ с растениями и животными, которые впечатляют своей легкостью, чистотой красок и точностью рисунка.

Дюрер творил больше 500 лет назад, и до сих пор его произведения выглядят очень современно. В акварелях он во многом опередил свою эпоху.

А.Дюрер, акварель. Листайте галерею

Художник писал пейзажи в то время, когда пейзаж еще не существовал как отдельный жанр.

А.Дюрер, акварель.

До наших дней сохранились созданные им виды Нюрнберга, Инсбурка, городов Италии, куда Дюрер ездил для продолжения учебы.

Также он обращался к сюжетам, которые были совершенной новинкой в искусстве тех лет. Это акварели с изображением дикорастущих трав. До Дюрера мало кого интересовали такие «заурядные» вещи.

А.Дюрер, акварель.

Альбрехт Дюрер писал: «Жизнь в Природе открывает истину вещей». Любовь к природе и красоте этого мира особенно проявлена в акварельных работах художника.

Многочисленные цитаты-копии мастеров Возрождения, умело вписанные в натюрморты, игра с композицией, которой всегда как бы немного тесно в формате холста, гиперреализм изображения — фирменный стиль итальянского художника Уго Челады да Вирджилио (1895 — 1995).

Портреты кисти художника Уго Челады да Вирджилио.

Уго Челада действительно прожил сто лет! С двенадцати лет осваивал живопись в Мантуе в Королевской школе искусств, затем в Академии Брера в Милане — за отличные успехи учился на стипендии.

В двадцатые годы картины Уго уже производили фурор на Венецианских выставках, несмотря на то, что учёбу в Академии он прервал с началом войны. На первую мировую войну он ушел из Академии добровольцем. А за десять лет до Второй мировой стал врагом итальянских фашистов, подписав манифест художников против монополии в искусстве «официальной линии» фашистской партии…

Художника подвергли острой критике, он долгое время не выставлялся в Италии, однако по-прежнему был популярен у современников и мог относительно безбедно существовать благодаря большому количеству заказов.

Любуемся его необычным подходом к работе с форматом и его портретами с иллюзией буквально выглядывающих из рамы людей, его нежными, условными «ренессансными» фонами в картинах.

А еще любуемся обилием жизни и цвета в его портретах и натюрмортах.

Картины Елены Поленовой покупал Павел Третьяков, а ее акварелями восхищался Илья Репин. Художница внесла значительный вклад в развитие стиля модерн в русском искусстве, промышленный дизайн и в книжную иллюстрацию. Рассказываем интересные факты из ее биографии.

1. Елена Поленова родилась 15 ноября 1850 года. Ее отец Дмитрий Поленов — археолог, историк, дипломат, тайный советник. Старший брат Елены — известный живописец Василий Поленов. Детьми они с раннего возраста проявляли интерес к рисованию. В качестве преподавателя для Василия пригласили Павла Чистякова, на тот момент студента Академии искусств. Он разглядел талант 9-летней Елены и тоже стал давать ей уроки.

2. При всем желании в Академию искусств Елена поступить не могла. В те годы женщинам учиться там было запрещено. Поэтому Елене приходилось довольствоваться частными уроками у Чистякова и Крамского. В 25 лет она получила диплом домашней учительницы истории. А уже позже отучилась в керамических и акварельных классах при Обществе поощрения художников. После учебы ее командировали в Париж для продолжения изучения живописи по керамике и эмали.

3. В 1882 году Елена Поленова решилась выставить свои акварельные работы, не особо рассчитывая на успех. Но публика и профессиональное сообщество были в восторге. Ее наставник Павел Чистяков сказал, что ее «этюды акварелью сделали бы честь самому пресловутому художнику-мужчине». А первую картину маслом «Иконописная мастерская XVI века», представленную публике, у Поленовой купил Третьяков.

4. Художница не была замужем и у нее не было детей. В публикациях о Поленовой можно часто встретить фразу, что она посвятила себя искусству. За ней стоит драматичная история любви. В 23 года Елена приехала в Киев в гости к старшей сестре Вере, устроилась работать в школу. Елена познакомилась с молодым профессором Киевского университета Алексеем Шкляревским. У них случилась взаимная влюбленность, они хотели пожениться. Но семья художницы расстроила эти планы, а Елену из Киева на время увезли подальше — в Баден-Баден. Девушка долго переживала случившееся и так больше не встретила кого-то, кого смогла бы полюбить.

5. В 1882 году Елена с матерью переехали в Москву к брату Василию. У художницы в столице начался плодотворный период. Елена подружилась с семьей Мамонтовых, особенно с женой Саввы Ивановича — Елизаветой Григорьевной. Они сошлись на интересе к русской старине. Елизавета Григорьевна задумала создать в имении в Абрамцево музей русской старины. В поисках подходящих экспонатов вместе с Еленой они ездили по деревням и собирали предметы народного искусства.

Елена и сама начала рисовать эскизы мебели и предметов быта. В итоге в Абрамцево решили открыть столярно-резчицкую мастерскую под руководством Поленовой. За семь лет работы в мастерской художница создала более ста эскизов мебели и предметов быта. Она старалась добиться такого эффекта, чтобы было непонятно, где кончается народное и начинается ее творчество. Еще для Елены было ценно, что в мастерской могли учиться крестьянские дети. Кстати, изделия мастерской пользовались популярностью и отлично продавались.

6. Поленова одной из первых в стране начала иллюстрировать русские сказки. Почему она обратилась к этой теме, художница объясняла так: «Я не знаю ни одного детского издания, где бы иллюстрации передавали поэзию и аромат древнерусского склада, и русские дети растут на поэзии английских и немецких чудно иллюстрированных сказок». Созданный стиль иллюстраций Поленовой был уникальным и повлиял на дальнейшее развитие книжной графики.

7. Художница умерла на пике своей творческой карьеры в 47 лет. В 1900 году она собиралась участвовать в оформлении Русского павильона на Всемирной выставке в Париже. Но этим планам помешала авария. В 1896 году повозка, где ехала Елена, перевернулась на спуске к Трубной площади в Москве. Поленова получила серьезную травму головы. Спустя два года она умерла от последствий этого удара. Похоронена на Ваганьковском кладбище.

В подборке работы Елены Поленовой.

Лаура Найт — одна из самых известных английских художниц, работавших в направлении постимпрессионизма. Она стала первой женщиной-художницей, удостоенной звания дамы Британской империи в 1929 году.

Интерес к искусству Лауре передала мать Шарлота Джонсон, которая преподавала рисунок в Ноттингемской школе искусств. Позже и сама Лаура поступила в это учебное заведение. Здесь она познакомилась с учеником и начинающим художником Гарольдом Найтом. Они поженились в 1903 году.

Гарольд всегда поддерживал свою более знаменитую супругу и создавал все условия, чтобы Лаура могла заниматься живописью. Семья обосновалась в маленьком городке Ньюлин. Здесь Лаура много работала, создавала картины, напоминающие по своему стилю работы импрессионистов.

В 1913 году Лаура оказалась в центре художественного скандала. Она написала свой автопортрет с обнаженной моделью. Эту работу в прессе раскритиковали за «оскорбление общественной нравственности». Но сама художница считала это произведение знаковым и часто его выставляла. Сейчас эта картина представлена в Лондонской национальной галерее.

Финансово Лауру поддерживали крупные заказы. Например, в 1916 году для канадского правительственного управления военных архивов она создала серию картин с изображением боксерских поединков.

Во время Первой мировой войны полотна Лауры Найт становятся более сдержанными. Художница часто изображает одиноких женщин. Об этих картинах она говорила, что это глубоко психологические работы, на них нет мужчин, потому что они сражаются и умирают в окопах.

После войны вместе с супругом Лаура переезжает в Лондон. Здесь у нее есть возможность писать работы на тему, которая ее вдохновляет, — балет. Художница в том числе посвятила серию произведений артистам Русского балета Сергея Дягилева. Среди ее работ есть картина со знаменитой Анны Павловой.

Во время Второй мировой войны Лаура Найт получила должность военного художника. В Англии она писала портреты бойцов гражданской обороны, сотрудников предприятий. А после окончания войны художницу командировали на Нюрнберский процесс. Лаура провела три месяца, наблюдая за судебными заседаниями, а потом написала огромное полотно, посвященное этому историческому событию.

После войны художница вернулась к своим любимым мирным темам — балету, артистам цирка. Лаура продолжала рисовать до середины 1950-х годов. За свою долгую плодотворную жизни — Найт прожила 92 года — она создала более 250 картин.

В истории искусств много примеров, когда художникам приходилось преодолевать сложности и препятствий на своем творческом пути. В этом контексте биография английской художницы Сары Биффен выглядит особенно впечатляющей.

Сара появилась на свет в крестьянской семье в небольшой деревушке Ист Квантоксхед. Девочка родилась с врожденным заболеванием — у нее не было рук и ног, лишь рудименты конечностей. Сара росла смышленой и активной. Со временем она сама научилась себя обслуживать и даже могла шить, зажимая нитку ртом, а местный священник обучил ее чтению и письму. Но ребенок-инвалид все равно был обузой для родителей, они не могли ее содержать. В подростковом возрасте родители отдали Сару в так называемый цирк уродцев — довольно распространенный аттракцион в Англии XVIII века.

Художник Сара Биффен, масло

Мистер Дьюкс, в цирк которого попала Сара, думал, как же девочка может развлекать публику, и решил научить ее рисовать, держа кисть во рту. Сара оказалась способной и талантливой, от этюдов и пейзажей она постепенно перешла к портретным миниатюрам. Да так у юной художницы хорошо выходили портреты, что к ней выстраивалась очередь, чтобы не только посмотреть, как она рисует, но и купить ее работы. Особенно популярностью пользовались миниатюрные портреты на медальонах в исполнении Сары.

Художник Сара Биффен, масло

Однажды Сара привлекла внимание Джорджа Дугласа, графа Мортона. Сначала он не поверил, что девушка без рук может так рисовать. Но когда он убедился в этом, забрал Сару на свое попечение и обеспечил ей учебу в Королевской академии художеств. Особенно удивительным это выглядит по тому, что в тот период времени женщинам запрещено было учиться в школах Королевской академии. Сара Биффен смогла обойти социальные и культурные ограничения и добиться признания в искусстве.

Художник Сара Биффен, масло

Интерес к творчеству Сары рос. В 1821 году за создание миниатюр Общество искусств наградило ее серебряной медалью, а работы художницы выставили в Королевской академии. Королевская семья заказывала у Сары миниатюрные портреты.

На автопортретах Сара изображала себя респектабельной и роскошно одетой дамой. Скорее всего так оно и было. Художница стала настоящей знаменитостью в Англии и «чудом из чудес», как ее еще называли во время работы в цирке. Кроме этого граф Мортон помог открыть Саре собственную портретную студию в Лондоне. Кстати, Чарльз Диккенс упоминал студию художницы в своих романах «Николас Никльби», «Мартин Чезлвит» и «Лавка древностей».

Сара Биффен, автопортрет, миниатюра

В 1827 году, когда граф Мортон умер, королева Виктория не оставила Сару без покровительства. Она назначила художнице пенсию. О последних годах жизни Биффен известно немного. Она закрыла свою студию и переехала в Ливерпуль. Сара до конца жизни не расставалась с рисованием, хотя уже реже бралась за кисть из-за сложностей со здоровьем. Она прожила 66 лет.

В 2022 году к юбилею со дня рождения Сары прошла первая большая персональная выставка художницы в Лондоне.

Зарабатывать больше, чем Рембрандт, совмещать успешную карьеру в искусстве с семьей, родить 10 детей и стать первой женщиной, принятой в Гильдию художников в Гааге. Звучит фантастично, особенно для рубежа XVII-XVIII веков. Но все это удалось голландской художнице Рашель Рюйш. 3 июня исполнилось 360 лет со дня ее рождения. Рассказываем интересные факты из ее невероятной биографии.

Портрет Рашель Рюйш кисти художника Готфрида Схалкена

Рашель родилась в семье известного ученого медика и естествоиспытателя Фредерика Рюйша. Он создал коллекцию забальзамированных животных, минералов и ботанических гербариев, которую съезжались посмотреть со всей Европы. Кстати, Петр I купил эту коллекцию для Санкт-Петербурской кунтскамеры. Да и вообще русский царь был в дружеских отношениях с Фредериком, частенько встречался с ним, когда бывал в Голландии.

Художник Рашель Рюйш, натюрморт, масло

Фредерик всячески поощрял увлечение Рашель рисованием и ботаникой. По соседству с семьей Рюйш в Амстердаме жил художник Виллема ван Алста. 15-летняя Рашель начала брать у него уроки живописи. В качестве основного жанра юная художница выбрала цветочные натюрморты. И уже в 18 лет она начала выставлять свои картины, которые сразу же получили хвалебные отзывы. В ее реалистичных натюрмортах было ощущение живости и легкости.

Художник Рашель Рюйш, натюрморт, масло

Цветочные картины Рашель быстро стали известны на фоне популярности в Голландии садоводства и разведения тюльпанов. Тюльпаны редких сортов сложного окраса особенно удавались Рюйш. Художница писала цветы с ботанической точностью. Каждый ее натюрморт — отдельный мир, рассматривая который замечаешь все новые детали.

Художник Рашель Рюйш, натюрморт, масло

Рашель хорошо зарабатывала и не спешила замуж. На брак она решилась ближе к 30-ти. Ее избранником стал портретист Юридан Пол. У них родилось 10 детей, но, к сожалению, 6 из них умерли в раннем возрасте.

Рюйш после замужества не бросила живопись. Доход от продажи картин помогал обеспечить семью и держать прислугу для ухода за детьми. У Рашель был свой агент, она получала заказы от коллекционеров из других стран. Работы ее стоили дорого. При жизни художницы ее натюрморты продавались от 750 до 1200 гульденов. В то время как Рембрандт получал за картины не более 500 гульденов.

Художник Рашель Рюйш, натюрморт, масло

В 1708 году Рашель предложили стать художником при дворе Иоганна Вильгельма, курфюрста Пфальца в Дюссельдорфе. Ей платили ежемесячное пособие, взамен художница отправляла в Дюссельдорф одну картину в год.

Художник Рашель Рюйш, натюрморт, масло

А 1723 год стал особенно удачливым для Рашель. Она выиграла 75 тысяч гульденов при розыгрыше государственной лотереи Северных Нидерландов. В общем-то, получив такую огромную сумму, художница могла больше не работать, но она продолжала писать свои любимые цветы до преклонного возраста. Рашель умерла в 1750 году в 85 лет.

Художник Рашель Рюйш, натюрморт, масло

За 65 лет своей творческой карьеры Рашель создала более двухсот картин. До наших дней сохранилось около ста. Она стала одним из самых известных мастеров голландского натюрморта. Сейчас ее произведения представлены в музеях и продолжают вдохновлять других художников.